“The JMB is not a Holocaust museum,” explains director Hetty Berg. “As the only Jewish museum in Germany, the JMB covers German-Jewish history nationwide and houses a corresponding collection.” The new building, the Glass Courtyard as well as the W. Michael Blumenthal Academy were designed by star architect Daniel Libeskind, while two gardens reflect the style of the old and new buildings, respectively.

View of the Epoch Room Catastrophe

The JMB offers guided tours, workshops, concerts, conferences and other events both in person and online. Through the JMB on.tour project, the JMB also visits schools across Germany. Hetty Berg states: “We generally work closely with schools. Our web portal di.kla, a digital classroom designed for students and teachers, is being used extensively.” The educational programme is based on the family collections, most of which are also available in digital form: accounts of Jewish daily life and experiences spanning 250 years, representing countless moments in history.

For 25 years now, visitors of all ages have been flocking to the JMB, including school and tour groups as well as individual tourists from all over the world – with particularly large numbers coming from Italy, France and the United States.

 
www.jmberlin.de

Between the Lines. Daniel Libeskind and the Jewish Museum Berlin: through to 22 November 2026
The Opposite of Now. Artistic Paths to a Different Present: through to 10 January 2027

Exterior view of the Jewish Museum Berlin, Libeskind building, showing the Garden of Exile and the Holocaust Tower.

Jüdisches Museum Berlin:Ort der Vermittlung und Reflexion

Mitten im bunten Kreuzberg gelegen gehört das Jüdische Museum Berlin (JMB) zu den Top-Besuchermagneten der Hauptstadt, mit 640.000 Besuchern allein im vergangenen Jahr.

„Das JMB ist kein Holocaust-Museum“, erklärt Direktorin Hetty Berg: „Als einziges jüdisches Museum Deutschlands deckt das JMB vielmehr die bundesweite deutsch-jüdische Geschichte ab und beherbergt eine entsprechende Sammlung.“ Neubau, Glashof und die W. Michael Blumenthal Akademie stammen von dem weltberühmten Star-Architekten Daniel Libeskind, während zwei Gartenanlagen jeweils den Stil des Alt- und des Neubaus reflektieren.

Das JMB bietet Führungen und Workshops sowie Konzerte, Konferenzen u.a. Veranstaltungen vor Ort und digital. Mit dem Projekt JMB on.tour ist das JMB bundesweit auch an Schulen tätig, berichtet die Direktorin: „Wir arbeiten generell eng mit Schulen zusammen. Unser für Schüler*innen und Lehrkräfte eingerichtetes Webportal di.kla, ein digitaler Klassenraum, wird intensiv genutzt.“ Die Vermittlungsarbeit basiert auf den Familiensammlungen, die zum großen Teil auch digital zugänglich sind: Zeugnisse von jüdischen Alltags- und Lebenserfahrungen aus 250 Jahren, die gleichzeitig für unzählige Momente der Geschichte stehen.

Seit nunmehr 25 Jahren strömen Besucher*innen aller Altersklassen ins JMB; darunter Schulklassen, Gruppen sowie Individualtourist*innen aus der ganzen Welt – besonders zahlreich aus Italien, Frankreich und den USA.

View of the welcome point and the theme room Torah. © Jewish Museum Berlin, photo: Roman März

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Strolling through the historic farmsteads of the Markus Wasmeier Open Air Museum takes you back to a time when craftsmanship and everyday life were closely intertwined. Watch shoemakers and blacksmiths at work and see beer being brewed just as it was 300 years ago. Mountain sheep, bees, and traditional farm gardens are all part of the experience, as are the aromas of herbs, freshly baked bread, and homemade cake. The Markus Wasmeier Open Air Museum is an experience that engages all the senses – sight, sound, taste, touch, and smell.

“I want to make traditions and customs tangible and keep them alive for future generations,” says Markus Wasmeier regarding the idea behind the museum. His aim is to preserve history and make it something that can be experienced firsthand.

The culinary experience also remains firmly rooted in the region. At the historic ‘Beim Wofen’ inn, guests are served Bavarian delicacies, cakes from the in-house patisserie, and beer from the traditional Bierschöpf brewery. The museum baker bakes fresh bread in a wood-fired oven every day, and once a month, visitors can watch the master butcher at work making ‘Weißwurst’ (Bavarian white sausage).

For those wishing to extend their visit, the ‘Winterstube’ offers an exceptional holiday home right next to the museum village. Dating back to 1866, it has been carefully reconstructed, blending historic beams and dark wood with modern comforts – all complemented by the surrounding nature and mountain views.

Conferences and celebrations

In addition to numerous festivals and celebrations marking various occasions, such as the Christmas market or the traditional costume and craft markets, the open-air museum offers a venue for family gatherings, client functions, and team events. The museum has also become particularly appealing to companies looking to step back from the daily work routine. The newly opened conference center complements these offerings by providing a unique setting for meetings, workshops, and corporate events.

“The museum’s unique atmosphere creates the ideal setting for focused work, strategic decisions, and new ideas,” says Wasmeier. Client events, team outings, and celebrations can be tailored to individual needs, and the historic barn accommodates up to 130 people. Guided tours, beer tastings or bread-baking classes further offer a variety of activities.

That is how a day at the museum becomes a shared experience. “So that the children know that cows aren’t purple,” Wasmeier says in conclusion.

 
www.wasmeier.de

Markus Wasmeier Freilichtmuseum Schliersee:Mit allen Sinnen erleben

Zwischen Bergen, Seen und historischen Bauernhöfen wird Geschichte im Markus Wasmeier Freilichtmuseum Schliersee lebendig. Hier wird authentisches Brauchtum mit Genuss, Erlebnis und besonderen Veranstaltungsformaten verbunden. Ob Familienausflug, Kundenveranstaltung oder Tagung, das altbayrische Dorf schafft Raum für neue Perspektiven und bleibende Eindrücke.

Wer durch die historischen Höfe des Markus Wasmeier Freilichtmuseum schlendert, reist zurück in eine Zeit, in der Handwerk und Alltag noch eng miteinander verbunden waren. Hier wird geschustert, geschmiedet und Bier wie vor 300 Jahren gebraut. Bergschafe, Bienen und Bauerngärten gehören ebenso zum Erlebnis wie der Duft von Kräutern, frisch gebackenem Brot und hausgemachtem Kuchen. Das Markus Wasmeier Freilichtmuseum ist ein Erlebnis, das man sehen, hören, schmecken, fühlen und riechen kann.

„Ich möchte Traditionen und Brauchtum erlebbar machen, erzählen und für kommende Generationen lebendig halten“, sagt Markus Wasmeier über die Idee hinter dem Museum. Sein Anspruch: Geschichte nicht nur zu bewahren, sondern sie erfahrbar zu machen.

Foto: Regional Entwicklung Oberland

Auch kulinarisch bleibt das Erlebnis ganz in der Region. Im historischen Wirtshaus „Beim Wofen“ kommen bayerische Schmankerl, Kuchen aus der hauseigenen Konditorei und das Bier der traditionellen Bierschöpf-Brauerei auf den Tisch. Der Museumsbäcker backt täglich frisches Brot im Holzofen und einmal im Monat kann man dem Metzgermeister bei der Weißwurst-Herstellung über die Schulter schauen.

Wer aus dem Besuch einen längeren Aufenthalt machen möchte, findet mit der „Winterstube“ ein außergewöhnliches Ferienhaus direkt am Museumsdorf. Die ehemalige Holzerhütte von 1866 wurde behutsam wieder aufgebaut und verbindet historische Balken und dunkles Holz mit modernem Komfort. Dazu kommen Natur, Bergpanorama und die Nähe zum Schliersee.

Tagen und feiern

Neben den zahlreichen Festen und Feiern zu verschiedenen Anlässen, wie dem Weihnachtsmarkt oder den Trachten- und Handwerker-Märkten, bietet das Freilichtmuseum Raum für Familienfeiern, Kundenveranstaltungen und Teamevents. Besonders interessant ist das Museum inzwischen auch für Unternehmen, die Abstand zum Arbeitsalltag gewinnen möchten. Das neu eröffnete Tagungshaus ergänzt das Angebot um einen außergewöhnlichen Rahmen für Meetings, Workshops und Firmenevents.

„Die besondere Atmosphäre des Museums schafft den idealen Freiraum für fokussiertes Arbeiten, strategische Entscheidungen und neue Ideen“, so Wasmeier. Kundenveranstaltungen, Teamevents und Feiern lassen sich individuell gestalten und die historische Tenne bietet bis zu 130 Personen Platz. Für Abwechslung sorgen Führungen, Bierverkostungen, Brotbackkurse oder der „Wilderer“-Vierkampf.

So wird aus einem Museumstag ein gemeinsames Erlebnis. „Damit die Kinder wissen, dass die Kühe nicht lila sind“, sagt Wasmeier abschließend.

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Von der Heydt Museum Wuppertal is one of Germany’s leading art museums. Its outstanding collection spans paintings and sculptures from the 17th century to the modern era, with a particular focus on 19th century art and classical modernism. Highlights include works by Claude Monet, Pablo Picasso, Paula Modersohn-Becker, Wassily Kandinsky, Auguste Rodin and Alberto Giacometti. Together, these masterpieces offer a fascinating insight into the development of European art and make the museum a cultural landmark in the heart of Wuppertal.

From 11 October 2026, the museum presents Beautiful & Strict: The Power of Ornament, exploring the significance and role of ornament in art from classical modernism to the present day. Ornament shapes the way we perceive the world in countless ways, including art. The exhibition invites visitors on a fascinating journey through the world of patterns and repeating motifs, while examining their function and meaning across more than a century of artistic practice.

It begins with designs from the Wiener Werkstätte and the early 20th century debate surrounding the role of ornament in modern art. Despite criticism of decoration as something unnecessary or excessive, artists such as Henri Matisse, Édouard Vuillard and Hans Purrmann used richly coloured wallpapers, fabrics and carpets to create interiors full of warmth and optimism. August Macke drew inspiration from ornamental traditions beyond Europe, allowing colour, form and pattern to become the central subject of their work. The exhibition also explores how ornament influenced the development of abstract art before tracing its continuing impact on contemporary painting and installation art.

 
www.von-der-heydt-museum.de

Current exhibitions at Von der Heydt Museum Wuppertal:

Beautiful & Strict: The Power of Ornament: 11 October 2026 – 14 February 2027

Also on display:

Museum A to Z. From the Beginning to the Future: until 10 January 2027

Times and Spaces. Classics of the Collection. Ruisdael to Giacometti: until 30 May 2027

Henri Matisse, Femme nue, 1920–25. Oil on canvas. 54.5 × 33 cm. Museo d’arte della Svizzera italiana (MASI), Lugano. City of Lugano Collection. Milich-Fassbind Donation. Photo: MASI Lugano

Von Monet und Picasso bis zur Neuen Sachlichkeit

Große Kunst ganz nah im Von der Heydt-Museum Wuppertal.

Das Von der Heydt-Museum Wuppertal zählt zu den bedeutendsten Kunstmuseen Deutschlands. Seine umfangreiche Sammlung umfasst Gemälde und Skulpturen vom 17. Jahrhundert bis in die Moderne und setzt besondere Schwerpunkte im 19. Jahrhundert und in der Klassischen Moderne. Zu den bedeutenden Künstler*innen der Sammlung gehören unter anderem Claude
Monet, Pablo Picasso, Paula Modersohn-Becker, Wassily Kandinsky, Auguste Rodin und Alberto Giacometti. Mit ihrer Vielfalt und kunsthistorischen Bedeutung bietet die Sammlung einen eindrucksvollen Einblick in die Entwicklung der europäischen Kunstgeschichte und macht das Museum zu einem wichtigen Ort für Kunst und Kultur in Wuppertal.

Édouard Vuillard, The Game of Draughts (La Partie de Dames), 1902. Oil on wood. 68.2 × 58.4 cm. Städel Museum, Frankfurt am Main. Photo: Städel Museum, Frankfurt am Main

Ab dem 11. Oktober 2026 widmet sich das Von der Heydt-Museum Wuppertal mit Schön & streng. Die Macht des Ornaments der Bedeutung und Funktion des Ornaments in der Kunst von der Klassischen Moderne bis heute. Ornamente prägen unsere Wahrnehmung in vielen Lebensbereichen – auch in der Kunst. Die Ausstellung lädt ein zu einer lustvollen Entdeckungsreise in die Welt der Muster und Rapporte. Gleichzeitig analysiert sie deren Funktion und Bedeutung, von der Klassischen Moderne bis heute.

Außenansicht des Von der Heydt-Museums Wuppertal. Foto: Von der Heydt-Museum Wuppertal

Am Anfang stehen die Entwürfe der Wiener Werkstätte und die Diskussion im frühen 20. Jahrhundert um die Rolle des Ornaments in der Moderne. Trotz aller Kritik am vermeintlich überflüssigen Dekor: In der Interieurmalerei von Henri Matisse, Édouard Vuillard oder auch Hans Purrmann vermitteln üppig bunte und frei gestaltete Tapeten, Stoß und Teppiche ein positives Lebensgefühl. August Macke den eigenen Formenschatz mit exotischen Ornamenten und Farbe, Form und Fläche zum eigentlichen Bildthema werden. Auch abstrakte Bildkonzepte entstehen aus der Auseinandersetzung mit dem Ornament. Von hier aus schlägt die Ausstellung den Bogen
zur aktuellen Malerei und Installationskunst.

Philip Taaffe, Cairene Window II, 2008. Mixed Media auf Leinwand. 153,7 × 213,4 cm. Jablonka Collection. © Philip Taaffe.

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Sprung from the passion for abstract art of entrepreneur and collector Reinhard Ernst, the collection kept growing across decades alongside his wish to share it sustainably with the public. This dream came to fruition with the 2024 opening.

The building was designed by the Pritzker Award-winning architect Fumihiko Maki – the first and only of his museum buildings in Europe so far. As one of few institutions worldwide, the mre exclusively shows abstract art from 1945 until today. It invites visitors to experience art directly and without preconception. Through the interplay of architecture, art and atmosphere, the spacious rooms allow for an intensive encounter with the collection, which combines important positions from Europe, the US and Japan and opens up surprising perspectives on the international development of abstraction. Even visitors who have had little to none exposure to abstract art in the past discover quickly that here, it is all about perception, curiosity and the joy of experience.

In 2026, two special exhibitions will be put front and centre at mre: Wolfgang Hollegha: Don’t Think, Look!, the first museum-based solo exhibition of the Austrian painter in Germany – as well as Judit Reigl. Couleur vivante, relating to the 70th anniversary of the legendary Wiesbaden-based exhibition Lebendige Farbe – Couleur vivante by showing the work of some of the most important European female abstract artists after WWII. In 2027, the museum will honour the work of German-American painter Friedel Dzubas (1915 – 1994) with the first comprehensive retrospective in Germany after 50 years. The exhibitions will be accompanied by talks, guided tours and family offers as well as innovative learning formats.

As the youngest museum of the Rhine-Main region, the mre is enriching the cultural axis of the regional capital of Wiesbaden and draws visitors from around the world. It is an open space for exchange, communication and inspiration. Visitors leave the museum with the enriching realisation that abstract art is not a riddle, but an invitation to have a closer look and to experience the power of colour, form and space directly. For children and teenagers up to 18 years, the entry is free.

 
www.museum-re.de

Wolfgang Hollegha. Don’t Think, Look!: until 25 October 2026
Judit Reigl, Couleur vivante: 15 November 2026 – 11 April 2027
Friedel Dzubas: 30 April – November 2027

Photo: Helbig Marburger

Museum Reinhard Ernst: Leidenschaft für abstrakte Kunst

Das Museum Reinhard Ernst (mre) in Wiesbaden verbindet eine umfassende Sammlung abstrakter Kunst mit einzigartiger, zeitgenössischer Architektur.

Das Museum ist aus der Leidenschaft des Unternehmers und Kunstsammlers Reinhard Ernst für abstrakte Kunst entstanden. Über viele Jahrzehnte baute er eine international bedeutende Sammlung auf und verfolgte den Wunsch, sie dauerhaft mit der Öffentlichkeit zu teilen. Mit der Eröffnung des Museums 2024 wurde dieser Traum Wirklichkeit.

Judit Reigl, Écriture en masse – Mutation VI, 1959-1960, huile sur toile, 149 x 200 cm, Sammlung Reinhard Ernst, courtesy Janos Gat Gallery. © Fonds de dotation Judit Reigl

Entworfen wurde das Gebäude vom japanischen Pritzker-Preisträger Fumihiko Maki – sein erstes und einziges Museumsgebäude in Europa. Als eines der wenigen Museen weltweit widmet sich das mre ausschließlich der abstrakten Kunst von 1945 bis in die Gegenwart. Es lädt Menschen dazu ein, Kunst unmittelbar und ohne Berührungsängste zu erleben. Besonders ist das Zusammenspiel von Architektur, Kunst und Atmosphäre: Großzügige, lichtdurchflutete Räume geben den Werken Raum zur Wirkung und ermöglichen intensive Begegnungen mit der Kunst. Die Sammlung vereint bedeutende Positionen aus Europa, den USA und Japan und eröffnet überraschende Perspektiven auf die internationale Entwicklung der Abstraktion. Auch Menschen, die bisher wenig Berührung mit abstrakter Kunst hatten, entdecken hier schnell, dass es hier um die eigene Wahrnehmung geht, um Neugier und Freude am Sehen.

Museum Reinhard Ernst, Architekt: Fumihiko Maki, Maki and Associates. Foto: Helbig Marburger

2026 stehen zwei Sonderausstellungen im Mittelpunkt: Wolfgang Hollegha. Denk nicht, schau!, die erste museale Einzelausstellung des österreichischen Malers in Deutschland, sowie Judit Reigl. Couleur vivante, die das 70-jährige Jubiläum der legendären Wiesbadener Ausstellung Lebendige Farbe – Couleur vivante aufgreift und das Werk einer der bedeutendsten Künstlerinnen der europäischen Nachkriegsabstraktion präsentiert. 2027 wird das mre dem deutsch-amerikanischen Maler Friedel Dzubas (1915 – 1994) die erste große Retrospektive in Deutschland seit 50 Jahren widmen. Begleitet werden die Ausstellungen von Führungen, Gesprächen, Familienangeboten und innovativen Vermittlungsformaten.

Als jüngstes Museum im Rhein-Main-Gebiet bereichert das mre die Kulturachse der Landeshauptstadt Wiesbaden und zieht Besucherinnen und Besucher aus aller Welt an. Es versteht sich als offener Ort des Austauschs, der Begegnung und der Inspiration. Wer das Museum verlässt, soll vor allem eines mitnehmen: die Erfahrung, dass abstrakte Kunst kein Rätsel ist, sondern eine Einladung, genauer hinzusehen, eigene Entdeckungen zu machen und die Kraft von Farbe, Form und Raum unmittelbar zu erleben. Für Kinder und Jugendliche bis 18 Jahre herrscht freier Eintritt.

Wolfgang Hollegha: Zwei Körbe, 2000. Foto: mre

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Here, behind historic walls lies a venue that brings together museum, puppet theatre and research under one roof. With more than 20,000 puppets from Europe, Asia and Africa in its collection and the award-winning permanent exhibition Puppetry – Game of Life, interactive hands-on stations and a vibrant stage, KOLK 17 offers truly distinctive experiences.

“Most museums collect, most theatres perform. We do both, and this changes peoples’ perception,” explains the team at KOLK 17. A puppet in a museum and the very same puppet on stage are two different things. This moment of encounter in one place is rarely found anywhere else in Europe.

The house raises unexpected questions: Who is moving whom? Where does our own body end, and where does the other begin? Thoughts that are at the heart of the art of puppetry and musings that become tangible the moment you hold a puppet in your own hand.

Since 2025, KOLK 17 has brought together theatre, museum, education and research under one roof. Honoured with three awards in 2026, the venue continues to grow and develop.

 
www.kolk17.de/en

One of the museum’s many interactive stations.

KOLK 17: Lübecks überraschendste Kulturbühne

Lübeck ist berühmt für das Holstentor, Marzipan und die Buddenbrooks. Wer die Stadt wirklich kennenlernen will, sollte einen Abstecher in den Kolk machen: eine der ältesten Gassen Lübecks, UNESCO-Weltkulturerbe und Heimat von KOLK 17.

Hinter historischen Mauern verbirgt sich ein Haus, das Museum, Figurentheater und Forschung an einem Ort vereint. Mit über 20.000 Figuren aus Europa, Asien und Afrika im Depot und in der preisgekrönten Dauerausstellung Figurentheater – Spiel des Lebens mit Spielstationen zum Anfassen und einer lebendigen Theaterbühne, ist das KOLK 17 Kulisse für besondere Erlebnisse.

„Die meisten Museen sammeln, die meisten Theater spielen. Wir tun beides, und das verändert die Wahrnehmung”, so das Team von KOLK 17. Eine Figur im Museum und dieselbe Figur auf der Bühne sind zwei völlig verschiedene Dinge. Diesen Moment des Aufeinandertreffens an einem Ort gibt es europaweit selten.

Das Haus stellt Fragen, die man nicht erwartet: Wer bewegt hier eigentlich wen? Wo hört der eigene Körper auf und wo fängt das Andere an? Das ist der Kern der Kunstform. Und das merkt man spätestens dann, wenn man selbst eine Figur in der Hand hält.

Seit 2025 vereint KOLK 17 Theater, Museum, Vermittlung und Forschung. Ein Haus, das 2026 dreifach ausgezeichnet wurde und noch lange nicht fertig ist.

KOLK 17: theatre (left) and museum (right).

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Dresden, once a centre of Baroque splendour, is home to one of the oldest and most important muse-um networks in Europe. Staatliche Kunstsammlungen Dresden (SKD) includes 15 museums whose origins trace back to the Elector’s art chamber of 1560, founded out of a passion for collecting technological marvels as well as precious and curious objects. From the desire not only to preserve these treasures but also to make them publicly accessible, an institution arose that continues to fascinate and inspire to this day.

Diversity, quality and innovation

The thematic diversity of the SKD is unparalleled and unique. Its 15 museums, with diverse collections spanning all eras and fields, offer an immense range of objects and artworks of the highest quality – from antiquity to modernity, from sculpture and painting to technological marvels.

Gemäldegalerie Alte Meister (Old Masters Picture Gallery) in the Semper Building at the Zwinger Palace is world-famous, housing works by Rembrandt, Vermeer and Titian. Raphael’s legendary “Sistine Madonna” is one of the collection’s icons.

A central location in the history of the SKD is the Royal Palace, whose collections originated in the 16th century in the armoury and coin cabinet of the Saxon rulers, and where the Elector’s art chamber also originated. Initially conceived as a universal collection, its focus was on technical devices, instruments and automata – signs of an era that valued both inventiveness and beauty. The treasures were present-ed to the public early on, which gave Dresden its reputation as an open-minded centre for art.

A jewel of a special kind is the Grüne Gewölbe or Green Vault in the Royal Palace – one of the richest treasuries in Europe. While the Historic Green Vault, with its magnificently reconstructed rooms, brings the splendour of the Baroque court to life, the New Green Vault reveals the most precious works of art made of gold, silver, precious stones and enamel in innovatively designed, glare-free display cases, all within easy reach.

The Royal Palace owes its decisive expansion to Augustus the Strong (1670–1733), Elector of Saxony and King of Poland. Inspired by the splendour of the French Sun King, Louis XIV, he created the Green Vault, the sculpture collection, and the print room, passionately collecting porcelain and other treasures and laying the foundation for the museum structure that remains vibrant in Dresden to this day. His son, Augustus III, continued this tradition and elevated the Picture Gallery to the top tier of European art. Today, in addition to the Green Vault, the Royal Palace houses the Rüstkammer (Armoury), the Münzkabinett (Coin Cabinet), and the Kupferstich-Kabinett (Museum of Prints).

Riding gear from Augustus II the Strong. Photo: © SKD, J. Lösel

Completion and vision

With the grand opening of the Festetage (state rooms) in April 2026, the decades-long reconstruction of the Royal Palace following the destruction of World War II will near its completion. The finishing of the Propositionssaal (Proposition Hall) and the Große Ballsaale (Grand Ballroom) in the north wing repre-sents a significant milestone. From April onwards, the Englische Treppe (English Staircase), once the heart of courtly life, will again lead visitors, as in days gone by, into an impressive sequence of magnifi-cent state rooms: from the Giant Hall with its monumental tournament scenes, through the Queen’s Audience Chamber and the Small Ballroom, to the Grand Ballroom, the Porcelain Cabinet, and the Prop-osition Hall. This last room forms the culmination and transition into the baroque state rooms of Augus-tus the Strong – a new circuit that artfully blends history and the present.

A particular highlight is the new permanent exhibition “Masks and Crowns: Festival Culture and the Representation of Power at the Dresden Court”, which will open on 22 April 2026, in the newly opened halls of the north wing. Here, unique artifacts of courtly festival culture and the representation of power will be presented – priceless works from the Renaissance and Baroque periods, painstakingly restored and on display for the first time in over 80 years. Nowhere else has such a wealth of magnificent props, gar-ments, ceremonial weapons, riding equipment, and insignia of power been preserved, created for imag-inative masquerades, themed balls, and coronation ceremonies, which have found an ideal setting in the restored and reconstructed state rooms. The exhibition thus illuminates how power and splendour were celebrated at the Saxon court and offers a fascinating glimpse into European cultural history.

The SKD as a vibrant place

The SKD is not resting on its laurels, but rather, in addition to its permanent exhibitions, is providing fresh perspectives with an ambitious special exhibition program. Current highlights include exhibitions such as Paula Modersohn-Becker and “Edvard Munch: The Big Questions of Life” (Albtertinum, 8 Febru-ary 2026 – 31 May 2026) and “Correggio: Movingly Human” (Zwinger, 19 September 2026 – 10 January 2027). These exhibitions offer a wide range of experiences for families, international visitors and art lov-ers. Digital tours, accessible formats, and creative workshops make art education both contemporary and inclusive.

A visit to Dresden is more worthwhile than ever today, as the museum network sees itself as a vibrant place that preserves art and brings it closer to a broad audience. In this way, the Dresden State Art Collections become a forum for dialogue, innovation, and cultural exchange.

 
Web: www.skd.museum

Residenzschloss. Photo: © SKD, D. Brandt

Staatliche Kunstsammlungen Dresden: Ein neues Glanzstück für die Hauptstadt der Kunst

Die Staatlichen Kunstsammlungen Dresden (SKD) sind ein lebendiger Museumsverbund europäischer Kunstgeschichte, dessen Wurzeln bis ins 16. Jahrhundert zurückreichen. In diesem Frühjahr feiert das Dresdner Residenzschloss mit der baulichen Vollendung der Festetage und einer spektakulären neuen Dauerausstellung zwei Meilensteine, die diesen Ort der Kunst und Wissenschaft bereichern.

Dresden, einst Zentrum barocker Prachtentfaltung, ist heute Heimat eines der ältesten und bedeutendsten Museumsverbünde Europas. Die SKD umfassen 15 Museen, deren Ursprung auf die kurfürstliche Kunstkammer von 1560 zurückgeht, gegründet aus der Lust am Sammeln technischer Wunderwerke, sowie kostbarer und kurioser Objekte. Aus dem Wunsch, diese Preziosen nicht nur zu bewahren, sondern auch öffentlich zugänglich zu machen, entstand eine Institution, die bis heute fasziniert und inspiriert.

Schlosskapelle im Residenzschloss. Foto: © SKD, K. Renner

Vielfalt, Qualität und Innovation

Die thematische Vielfalt der SKD ist in ihrer Art unvergleichlich und einzigartig. Die 15 Häuser mit ihren unterschiedlichen Sammlungen aus allen Epochen und Bereichen bieten eine immense Bandbreite an Objekten und Kunstwerken von höchster Qualität – von der Antike bis zur Moderne, von Skulptur über Malerei bis zu technischen Wunderwerken.

Weltberühmt ist die Gemäldegalerie Alte Meister im Semperbau am Zwinger mit Werken von Rem-brandt, Vermeer und Tizian. Die legendäre “Sixtinische Madonna” von Raffael zählt zu den Ikonen der Sammlung.

Ein zentraler Ort der SKD-Geschichte ist das Residenzschloss, dessen Sammlungen ihren Ursprung im 16. Jahrhundert in der Rüstkammer und dem Münzkabinett der sächsischen Herrscher hatten und wo auch die kurfürstliche Kunstkammer entstand. Zunächst als Universalsammlung konzipiert, lag ihr Schwerpunkt auf technischen Geräten, Instrumenten und Automaten – Zeichen einer Zeit, die Erfindungsgeist und Schönheit gleichermaßen schätzte. Schon früh wurden die Schätze der Öffentlich-keit präsentiert, was Dresden den Ruf eines aufgeschlossenen Kunstortes verlieh.

Ein Juwel besonderer Art ist das Grüne Gewölbe im Residenzschloss – eine der reichsten Schatzkammern Europas. Während das Historische Grüne Gewölbe mit seinen prachtvoll rekonstruierten Räumen den Glanz des barocken Hofes lebendig werden lässt, offenbart das Neue Grüne Gewölbe in innovativ ge-stalteten, spiegelfreien Vitrinen kostbarste Kunstwerke aus Gold, Silber, Edelsteinen und Emaille in un-mittelbarer Nähe.

Die entscheidende Erweiterung verdankt das Residenzschloss August dem Starken (1670–1733), Kurfürst von Sachsen und König von Polen. Inspiriert vom Glanz des französischen Sonnenkönigs Louis XIV. schuf er das Grüne Gewölbe, die Skulpturensammlung und das Kupferstich-Kabinett, sammelte Porzellan und andere Kostbarkeiten mit Leidenschaft und legte den Grundstein für die Muse-umsstruktur, die bis heute in Dresden lebendig ist. Sein Sohn August III. verfolgte diese Tradition weiter und führte die Gemäldegalerie so in die europäische Spitzenklasse. Heute befinden sich im Resi-denzschloss neben dem Grünen Gewölbe die Rüstkammer, das Münzkabinett und das Kupferstich-Kabinett.

Audienzgemach, Paraderäume. Foto: © SKD, H. Krass

Vollendung und Vision

Mit der feierlichen Eröffnung der Festetage im April 2026 nähert sich die jahrzehntelange bauliche Wiederherstellung des Dresdner Residenzschlosses nach den Zerstörungen im Zweiten Weltkrieg ihrem Abschluss. Die Vollendung des Propositionssaales und des Großen Ballsaales im Nordflügel stellt dabei einen wichtigen Meilenstein dar. Die Englische Treppe, einst Herzstück höfischen Lebens, führt ab April wieder wie in vergangenen Zeiten in eine eindrucksvolle Abfolge prächtiger Festsäle: Vom Riesensaal mit seinen monumentalen Turnierszenen über das Audienzzimmer der Königin und den Kleinen Ballsaal bis zum Großen Ballsaal, Porzellankabinett und Propositionssaal. Dieser bildet den Abschluss und Übergang in die barocken Paraderäume Augusts des Starken – ein neuer Rundgang, der Geschichte und Gegenwart kunstvoll verbindet.

Ein besonderes Highlight ist die neue Dauerausstellung “Masken und Kronen. Festkultur und Machtrepräsentation am Dresdner Hof”, die ab 22. April 2026 in den neu eröffneten Sälen im Nordflügel zu sehen ist. Hier werden einzigartige Zeugnisse höfischer Festkultur und Machtrepräsentation präsen-tiert – kostbarste Werke aus Renaissance und Barock, die aufwendig restauriert wurden und nach über 80 Jahren erstmals wieder ausgestellt sind. Nirgendwo sonst haben sich in ähnlicher Fülle derart prunkvolle Requisiten, Gewänder, Prunkwaffen, Reitzeuge und Machtinsignien erhalten, entstanden für fantasievolle Maskeraden, thematische Bälle und Krönungsinszenierungen, die in den restaurierten und rekonstruierten Festsälen einen idealen Rahmen erhalten haben. So beleuchtet die Ausstellung, wie Macht und Pracht am sächsischen Hof gefeiert wurden, und bietet einen faszinierenden Blick auf die eu-ropäische Kulturgeschichte.

Englische Treppe. Foto: © SKD, D. Brandt, M. Föerster

Die SKD als lebendiger Ort

Die SKD ruhen sich nicht auf ihrem Erbe aus, sondern sorgen mit einem ambitionierten Sonderausstel-lungsprogramm zusätzlich zu den Dauerausstellungen für frische Perspektiven. Zu den aktuellen Höhe-punkten zählen Ausstellungen wie “Paula Modersohn-Becker und Edvard Munch. Die großen Fragen des Lebens” (Albtertinum, 08.02.2026 – 31.05.2026) oder “Correggio. Berührend menschlich” (Zwinger, 19.09.2026 – 10.01.2027). Sie bieten Familien, internationalen Besuchenden und Kunstliebhabern ein breites Spektrum. Digitale Führungen, barrierefreie Formate und Kreativworkshops machen Kunstver-mittlung gleichzeitig zeitgemäß und inklusiv.

Ein Besuch in Dresden lohnt sich heute mehr denn je, denn der Musemsverbund versteht sich als lebendiger Ort, der Kunst bewahrt und einem breiten Publikum nahebringt. So werden die Staatlichen Kunstsammlungen Dresden zu einem Forum für Dialog, Innovation und kultu rellen Austausch.

Kronleuchter, Propositionssaal. Foto: © SKD, J. Lösel

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Upon arrival, visitors are struck by the bold fusion of 19th century architecture and modern elements, the result of a thorough renovation lasting over ten years and completed in 2022. Connecting eight centuries of art, KMSKA is once again fully open, offering access to masterpieces ranging from Flemish Primitives to Expressionists and contemporary artists. It also houses the world’s largest collections of Belgian modernist pioneers James Ensor, Rik Wouters and Jules Schmalzigaug.

This spring and summer, KMSKA once again invites visitors to do a deep dive into all art has to offer. Colour dominates in A Red that Sings. Masterpieces by Ensor, Wouters and Schmalzigaug, (11 April – 30 August 2026). The works of Belgium’s great colourists pulse with vermilion reds, electric blues and sunlit yellows. These artists used colour almost musically, revealing the rhythm of their art.

Studio Rubens.

Contemporary sculptures and monumental installations rise above the galleries in Antony Gormley. Geestgrond (23 May – 20 September 2026), the largest solo exhibition in continental Europe by the renowned British artist. Powerful installations enter into dialogue with the historic collection, fundamentally exploring human existence in what promises to be a compelling encounter.

As one of few museums in Flanders with its own conservation studio and recognised high-level scientific status, KMSKA is dedicated to exploring and sharing knowledge. This spirit takes centre stage in the Rubens Gallery, where visitors can watch restorers live at work on Peter Paul Rubens’ Adoration of the Magi as part of Studio Rubens. Advanced research is also revealing new insights into Rubens’ technique, workshop and pigments.

Jules Schmalzigaug, Volume + Light: the Sun Shines on La Salute Church, 1914, collection Stephanie and Michel Moortgat.

The exhibition In Full Bloom quite literally makes spring blossom. For eleven days, florists reinterpret artworks as ephemeral installations in vibrant flower displays, while KMSKA x YOUNG FASHION DESIGNERS celebrates Antwerp Fashion Year by placing contemporary fashion into dialogue with the museum’s artistic tradition.

For a different art experience, Thursday evenings offer a special kind of magic included in a museum ticket: during KMSKA LATE, the museum’s doors remain open until 10pm. Enjoy live music, performances, cocktails and more in a unique setting.

This spring, KMSKA proves that great museums do more than preserve the past. Here, art is not only displayed, but experienced in vivid, approachable and thoroughly contemporary ways.

 
Web: www.kmska.be/en

KMSKA LATE.

Frühlingserwachen im KMSKA Antwerpen

In einer Stadt, die für Mode, Diamanten und barocke Pracht bekannt ist, setzt das Königliche Museum der Schönen Künste Antwerpen (KMSKA) einen eigenen kulturellen Akzent. In diesem Frühjahr präsentiert das Museum nicht nur Ausstellungen. Es rückt die Vielfalt des künstlerischen Ausdrucks in den Mittelpunkt.

Schon beim Betreten fällt die markante Verbindung aus Architektur des 19. Jahrhunderts und zeitgenössischen Elementen ins Auge. Sie ist das Ergebnis einer umfassenden, mehr als zehnjährigen Renovierung, die 2022 abgeschlossen wurde. Heute ist das KMSKA mit seinen acht Jahrhunderten Kunstgeschichte wieder vollständig zugänglich. Besucher:innen begegnen hier Meisterwerken von den Flämischen Primitiven bis zu Expressionisten und zeitgenössischen Künstler:innen. Zudem beherbergt das Museum die weltweit größten Sammlungen der belgischen Modernisten James Ensor, Rik Wouters und Jules Schmalzigaug.

Antony Gormley, Attend. Foto: Stephen White & Co, © Antony Gormley

Auch in diesem Frühling und Sommer lädt das KMSKA dazu ein, Kunst in all ihren Facetten zu entdecken. Im Mittelpunkt der Ausstellung A Red that Sings. Masterpieces by Ensor, Wouters und Schmalzigaug (11. April – 30. August 2026) steht die Kraft der Farbe. Die Werke der großen belgischen Koloristen leuchten in Zinnoberrot, strahlenden Blautönen und sonnigem Gelb. Die Farben entfalten fast eine musikalische Qualität und machen den Rhythmus der Kunstwerke erkennbar.

Mit Antony Gormley. Geestgrond (23. Mai – 20. September 2026) zeigt das Museum die größte Einzelausstellung des renommierten britischen Künstlers auf dem europäischen Festland. Monumentale Installationen treten in einen Dialog mit der historischen Sammlung und stellen in diesem spannenden Aufeinandertreffen grundlegende Fragen nach der menschlichen Existenz.

Jean Fouquets Madonna. Foto: Sanne De Block

Als eines der wenigen Museen in Flandern mit eigenem Restaurierungsatelier und anerkanntem wissenschaftlichen Status versteht sich das KMSKA auch als Ort der Forschung und Wissensvermittlung. In der Rubens-Galerie können Besucher:innen den Restaurator:innen daher live bei der Arbeit zusehen: Im Rahmen von Studio Rubens wird Peter Paul Rubens’ Anbetung der Könige untersucht und restauriert. Neue wissenschaftliche Analysen liefern dabei zusätzliche Erkenntnisse zu Rubens’ Technik, seiner Werkstatt und den verwendeten Pigmenten.

Die Ausstellung In Full Bloom lässt den Frühling im Museum buchstäblich aufblühen. Elf Tage lang interpretieren Florist:innen ausgewählte Werke in Form temporärer Blumeninstallationen neu. Parallel dazu feiert KMSKA x YOUNG FASHION DESIGNERS das Antwerp Fashion Year und lässt zeitgenössische Mode mit der künstlerischen Tradition des Hauses in Dialog treten.

Eine besondere Atmosphäre bietet der Donnerstagabend: Während KMSKA LATE bleibt das Museum bis 22 Uhr geöffnet. Live-Musik, Performances, Cocktails und vieles mehr schaffen ein magisches Kulturerlebnis, das bereits im regulären Museumsticket enthalten ist.

Das KMSKA zeigt in diesem Frühjahr eindrucksvoll, dass Museen heute mehr sind als Orte, die die Vergangenheit bewahren. In Antwerpen wird Kunst nicht nur gezeigt, sondern lebendig vermittelt: zeitgemäß, zugänglich und nah am Publikum.

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Liljevalchs owes its existence to Carl Fredrik Liljevalch Jr., a Swedish businessman and patron of the arts whose vision still resonates today. After he passed away in 1909, Liljevalch Jr. left a generous fortune, requesting that what remained after his charitable gifts be used to create an art hall. According to his friends, he had expressed a wish to see a permanent exhibition space for contemporary art in Stockholm. With help from his close circle – including Prince Eugen, who secured the site on Djurgården – Liljevalchs opened in 1916, quickly becoming Stockholm’s go-to spot for contemporary art.

Installation view, Stockholm Cosmologies. Photo: Mattias Lindbäck

Pushing boundaries

Liljevalchs’ story is one of ongoing transformation. As Joanna Sandell Wright, director of Liljevalchs, puts it: “Liljevalchs is exciting because it’s both the oldest and the newest art hall in Sweden.” Its original building, opened in 1916, now stands alongside a striking new addition designed by Wingårdh Architects, unveiled in 2021. This expansion made Liljevalchs the largest publicly funded art institution in Sweden. Leadership has also brought fresh energy: Joanna Sandell Wright, the museum’s first female director, has pushed Liljevalchs onto the international stage with daring exhibitions and a commitment to inviting a wider audience.

For instance, at Liljevalchs, visitors can look forward to “the most experimental art that Sweden has to offer,” according to Sandell Wright. An example is the large-scale solo exhibition by artist Ylva Snöfrid, who invites her audience to dreamy midsummer night’s parties and exhibition clubbing events. Among Liljevalchs’ most talked-about exhibitions, When We See Us – A Century of Black Figuration in Painting stands out. Curated by the late Koyo Kouoh, this exhibition highlights the museum’s global outlook and its connection to major events like the Venice Biennale of 2026, where many featured artists are also participating. “The exhibition challenges traditional Eurocentric narratives by refusing to place oppression at the forefront, instead celebrating Black perspectives and experiences,” summarises Sandell Wright the landmark exhibition, which has received international acclaim. Bringing together over 148 works from institutional and private lenders across 16 countries, the exhibition spans a century of creative output by Black artists worldwide. It places these works in conversation with contemporary thinkers, writers, and poets, focussing on the joy and resilience found in Black culture.

Besides international exhibitions, Liljevalchs also puts special emphasis on promoting local artists. Most notably with Vårsalongen (the Spring Salon), an annual juried exhibition which has kicked off Stockholm’s art year each spring for over a century, making it Sweden’s longest-running continuous art show. Established in 1921, Vårsalongen has grown into a vibrant annual celebration of artistic talent which welcomes creators from all walks of life and artistic disciplines. Vårsalongen’s 2026 edition has admitted 255 artists, which is the highest number since the 1950s. Every artwork featured is available for purchase, with prices determined by the artists themselves. Drawing in close to 100,000 visitors each year, Vårsalongen stands out as a major cultural event, providing artists with exceptional visibility, while attendees are treated to a diverse array of works, including painting, sculpture, video, ceramics, textiles, and more.

Keeping culture alive

In a world that is constantly changing, showcasing contemporary art is important for many reasons, as Sandell Wright explains: “Showing contemporary art is essential because it keeps culture alive and relevant. It brings the voices of today’s artists into public conversation and creates a meeting place where audiences can encounter ideas that challenge, inspire and expand how we see the world.” She continues: “Contemporary artists respond directly to the world we live in, and exhibitions create a space where audiences can encounter new perspectives, questions and ideas.”

More than just a gallery, Liljevalchs serves as a gathering place for both artists and visitors from diverse backgrounds, striving to make contemporary art accessible and relevant to people from all walks of life. This welcoming spirit ensures that every visitor can find something to connect with and take home, reinforcing the museum’s ambition to be a vibrant, inclusive hub for creative expression.

For anyone eager to see Swedish culture in a new light, Liljevalchs promises a visit that is both inspiring and memorable.

 
Web: www.liljevalchs.se

When We See Us: A Century of Black Figuration in Painting – until 30 August 2026
Vårsalongen – until 3 May 2026

Installation view, Vårsalongen 2026. Photo: Jean-Baptiste Béranger

Zeitgenössische Kunst aus Schweden wird lebendig

Mitten im pulsierenden Stockholm gelegen, ist das Liljevalchs ein Magnet für alle, die sich für zeitgenössische Kunst begeistern. Dieses renommierte Museum, bekannt für seine wechselnden Ausstellungen, seine lange Tradition, sowohl aufstrebende als auch international anerkannte Künstler zu präsentieren, und seinen Einfluss auf die schwedische Kunstszene, lädt Besucher ein, tief in die Welt der zeitgenössischen Kreativität einzutauchen.

Liljevalchs verdankt seine Existenz Carl Fredrik Liljevalch Jr., einem schwedischen Geschäftsmann und Kunstmäzen, dessen Vision bis heute nachwirkt. Nach seinem Tod im Jahr 1909 hinterließ Liljevalch Jr. ein großzügiges Vermögen mit der Verfügung, dass der nach seinen wohltätigen Zuwendungen verbleibende Betrag für den Bau einer Kunsthalle verwendet werden sollte. Seinen Freunden zufolge hatte er den Wunsch geäußert, „einen permanenten Ausstellungsraum für zeitgenössische Kunst in Stockholm zu schaffen.” Mit der Unterstützung seines engsten Umfelds – darunter Prinz Eugen, der das Grundstück auf Djurgården sicherstellte – eröffnete Liljevalchs 1916 und avancierte schnell zu Stockholms wichtigstem Anlaufpunkt für zeitgenössische Kunst.

Ausstellungsansicht, Vårsalongen 2026. Foto: Jean-Baptiste Béranger

Die Grenzen sprengen

Die Geschichte des Liljevalchs ist durch ständigen Wandel gekennzeichnet. Joanna Sandell Wright, Direktorin des Liljevalchs, formuliert es so: „Das Liljevalchs ist spannend, weil es sowohl die älteste als auch die neueste Kunsthalle Schwedens ist.” Das ursprüngliche Gebäude, eröffnet 1916, steht heute neben einem markanten Neubau von Wingårdh Architects, der 2021 eingeweiht wurde. Durch diese Erweiterung wurde das Liljevalchs zur größten öffentlich finanzierten Kunstinstitution Schwedens. Auch die Führung hat frischen Wind gebracht: Joanna Sandell Wright, die erste weibliche Direktorin des Museums, hat das Liljevalchs mit gewagten Ausstellungen und dem Bestreben, ein breiteres Publikum anzusprechen, international bekannt gemacht.

Im Liljevalchs erwartet die Besucher laut Sandell Wright „die experimentellste Kunst Schwedens“. Ein Beispiel dafür ist die groß angelegte Einzelausstellung der Künstlerin Ylva Snöfrid, die ihr Publikum zu verträumten Mittsommernachtspartys und Ausstellungs-Clubbing-Events einlädt. Unter den meistdiskutierten Ausstellungen des Liljevalchs sticht When We See Us – A Century of Black Figuration in Painting besonders hervor. Kuratiert von der verstorbenen Koyo Kouoh, unterstreicht diese Ausstellung die globale Ausrichtung des Museums und seine Verbindung zu bedeutenden Ereignissen wie der diesjährigen Biennale von Venedig, an der viele der vertretenen Künstler ebenfalls teilnehmen. „Die Ausstellung stellt traditionelle eurozentrische Narrative in Frage, indem sie die Unterdrückung nicht in den Vordergrund rückt, sondern stattdessen Schwarze Perspektiven und Erfahrungen feiert”, fasst Sandell Wright die wegweisende, international gefeierte Ausstellung zusammen. Mit über 148 Werken aus institutionellen und privaten Leihgaben aus 16 Ländern umspannt die Ausstellung ein Jahrhundert kreativen Schaffens schwarzer Künstler. Es stellt diese Werke in einen Dialog mit zeitgenössischen Denkern, Schriftstellern und Dichtern und konzentriert sich dabei auf die Freude und Widerstandsfähigkeit, die in der schwarzen Kultur zu finden sind.

Neben internationalen Ausstellungen legt Liljevalchs besonderen Wert auf die Förderung lokaler Künstler. Allen voran mit dem Vårsalongen (Frühlingssalon), einer jährlich stattfindenden, jurierten Ausstellung, die seit über einem Jahrhundert den Stockholmer Kunstkalender einläutet und damit Schwedens älteste ununterbrochene Kunstausstellung ist. Der 1921 gegründete Vårsalongen hat sich zu einem lebendigen jährlichen Fest der Kunst entwickelt, das Kreative aus allen Lebensbereichen und künstlerischen Disziplinen willkommen heißt. Die diesjährige Ausgabe präsentiert 255 Künstler – die höchste Teilnehmerzahl seit den 1950er Jahren. Alle ausgestellten Kunstwerke können erworben werden; die Preise werden von den Künstlern selbst festgelegt. Mit jährlich fast 100.000 Besuchern gilt der Vårsalongen als bedeutendes Kulturereignis, das Künstlern außergewöhnliche Sichtbarkeit bietet und den Besuchern ein vielfältiges Spektrum an Werken präsentiert.

Liljevalchs Kunsthalle. Foto: Mattias Lindbäck

Kultur am Leben erhalten

In einer Welt im ständigen Wandel ist die Präsentation zeitgenössischer Kunst aus vielen Gründen wichtig, wie Sandell Wright erklärt: „Zeitgenössische Kunst zu zeigen ist unerlässlich, weil sie Kultur lebendig und relevant hält. Sie bringt die Stimmen heutiger Künstler in den öffentlichen Diskurs ein und schafft einen Ort der Begegnung, an dem das Publikum Ideen finden kann, die unsere Weltsicht herausfordern, inspirieren und erweitern.” Sie fährt fort: „Zeitgenössische Künstler reagieren direkt auf die Welt, in der wir leben, und Ausstellungen schaffen einen Raum, in dem das Publikum neue Perspektiven, Fragen und Ideen entdecken kann.”

Ausstellungsansicht, When We See Us, Liljevalchs 10 Oktober 2025 – 11 August 2026. Foto: Jean-Baptiste Béranger. When We See Us – A Century of Black Figuration in Painting wird von Zeitz MOCAA organisiert und konzipiert.

Mehr als nur eine Galerie ist Liljevalchs ein Treffpunkt für Künstler und Besucher unterschiedlichster Herkunft. Das Museum hat sich zum Ziel gesetzt, zeitgenössische Kunst für Menschen aus allen Lebensbereichen zugänglich und relevant zu machen. Diese einladende Atmosphäre sorgt dafür, dass jeder Gast etwas findet, das ihn berührt. So wird der Anspruch des Museums unterstrichen, ein lebendiger und inklusiver Ort für kreativen Ausdruck zu sein.

Für alle, die die schwedische Kultur aus einer neuen Perspektive erleben möchten, verspricht Liljevalchs einen inspirierenden und unvergesslichen Besuch.

Ausstellungsansicht, Stockholm Cosmologies. Foto: Mattias Lindbäck

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A visit to the Mercedes-Benz Museum in Stuttgart does not just offer a traditional museum tour: across nine levels and 16,500 square metres of exhibition space, an impressive journey through 140 years of automotive history unfolds – from the invention of the first automobile in 1886 to visionary mobility concepts of the future.

The architecture of the museum is a statement in and of itself. The spectacular building, designed in the form of a double helix, symbolises progress and motion. Inside, two intertwining tours guide visitors through the exhibition. The Legend rooms recount the history of the Mercedes-Benz brand in chronological order, while the Collection rooms focus on thematic highlights, featuring everyday heroes such as fire and rescue vehicles as well as automotive icons and vehicles once owned by celebrities.

With around 160 vehicles and more than 1,500 exhibits in total, the museum offers an impressive diversity. Highlights include legendary models such as the Benz Patent Motor Car, the 300 SL Gullwing, and the spectacular presentation of the Silver Arrows on a steeply banked curve. Interactive stations such as the Pit stop about Formula 1 add an additional dynamic dimension to the experience.

The popularity of this concept is reflected in the visitor numbers: in 2025, the museum welcomed a record number of 945,716 visitors. Since opening in 2006, more than 14 million people from around the world have visited the Mercedes-Benz Museum.

A particular new highlight will be the special exhibition 130 Years of Commercial Vehicles, opening on 28 June 2026. It presents rarely shown icons from the history of Mercedes-Benz Vans and Mercedes-Benz Trucks. In addition, a varied events programme featuring formats such as Classics & Coffee, Family Day, Urban Culture and Open-Air Cinema will provide further highlights throughout the anniversary year.

Whether automotive enthusiasts, families or architecture lovers, the Mercedes-Benz Museum combines technology, design and contemporary history into an impressive overall experience that not only brings the past to life but also makes the path towards the mobility of tomorrow visible.

 
Mercedes-Benz Museum
Mercedesstr. 100
70372 Stuttgart, Germany

Further information online at:

mercedes-benz.com/museum

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Innovation erleben – 140 Jahre Automobilgeschichte im Mercedes-Benz Museum

Vier Jubiläen, ein Ort: 2026 feiert das Mercedes-Benz Museum 20 Jahre Bestehen und zugleich 100 Jahre Mercedes-Benz, 130 Jahre Nutzfahrzeuge sowie 140 Jahre Automobilgeschichte. Ein Jahr, das Vergangenheit und Zukunft eindrucksvoll verbindet – und mit vielen Sternstunden lockt.

Bei einem Besuch im Mercedes-Benz Museum in Stuttgart erwartet einen nicht bloß der klassische Museumsrundgang: Auf neun Ebenen und 16.500 Quadratmetern Ausstellungsfläche entfaltet sich eine eindrucksvolle Zeitreise durch 140 Jahre Automobilgeschichte von der Erfindung des ersten Automobils 1886 bis zu visionären Mobilitätskonzepten der Zukunft.

Bereits die Architektur des Hauses ist ein klares Statement: Der spektakuläre Bau in Form einer Doppelhelix symbolisiert Fortschritt und Bewegung. Im Inneren führen zwei miteinander verbundene Rundgänge durch die Ausstellung. Die Mythos-Räume erzählen chronologisch die Geschichte der Marke Mercedes-Benz, während die Collections-Räume thematische Schwerpunkte setzen, was Alltagshelden wie Feuerwehr- und Rettungsfahrzeuge, aber auch Automobilikonen und Prominentenfahrzeuge beinhaltet.

Mit rund 160 Fahrzeugen und insgesamt über 1.500 Exponaten bietet das Museum eine beeindruckende Vielfalt. Zu den Höhepunkten zählen legendäre Modelle wie der Benz Patent-Motorwagen, der 300 SL ‚Flügeltürer‘ oder die spektakulär inszenierten Silberpfeile in einer Steilkurve. Interaktive Stationen wie der Pit Stop zur Formel 1 sorgen zusätzlich für ein lebendiges Erlebnis.

Dass dieses Konzept begeistert, zeigen die Besucherzahlen: 2025 verzeichnete das Museum mit 945.716 Gästen einen neuen Rekord. Insgesamt haben seit der Eröffnung 2006 über 14 Millionen Menschen aus aller Welt das Museum besucht.

Ein besonderes, neues Highlight wird die neue Sonderausstellung 130 Jahre Nutzfahrzeuge sein, die am 28. Juni 2026 eröffnet wird. Sie präsentiert selten gezeigte Ikonen aus der Geschichte von Mercedes-Benz Vans und Mercedes-Benz Trucks. Darüber hinaus sorgt ein abwechslungsreiches Veranstaltungsprogramm mit Formaten wie Classics & Coffee, Familientag, Stadtkultur und dem Open-Air Kino für zusätzliche Highlights im Jubiläumsjahr.

Ob Automobilenthusiasten, Familien oder Architekturinteressierte: das Mercedes-Benz Museum verbindet Technik, Design und Zeitgeschichte zu einem eindrucksvollen Gesamterlebnis, das nicht nur die Vergangenheit lebendig macht, sondern auch den Weg in die Mobilität von morgen sichtbar werden lässt.

The post Experience innovation – 140 years of automotive history at the Mercedes-Benz Museum appeared first on Discover Germany, Switzerland and Austria.